Голландская школа

Давид и Ионафан. 1642

Дерево, масло. 73 X 61,5

Государственный Эрмитаж

Жанровый диапазон творчества величайшего мастера голландской живописи XVII века Рембрандта очень широк: его в равной мере привлекали портрет, пейзаж, композиции на античные, библейские, евангельские сюжеты. К какой бы теме ни обращался художник, главным содержанием его искусства был человек с обуревающими его страстями. По глубине понимания внутренней жизни человека с Рембрандтом не сопоставим ни один из его предшественников и современников.

Написанная мастером в расцвете творческих сил картина «Давид и Ионафан» основана на библейской легенде. Сын бедного пастуха Давид, победивший великана Голиафа, стал оруженосцем иудейского царя Саула, но вскоре возбудил его зависть своими военными успехами и был вынужден бежать, чтобы спасти свою жизнь. На картине запечатлен момент прощания Давида с его лучшим другом Ионафаном, сыном царя Саула. Рембрандт показывает, сколь несхоже переживают герои боль предстоящей разлуки. Старший из них Ионафан сохраняет присутствие духа, хотя его скорбь, быть может, сильнее и глубже. Чувства Давида проявляются более открыто: словно придавленный тяжестью охвативших его эмоций, он приник в порыве к груди друга. Колорит картины, построенный на сопоставлении тончайших золотистых, розоватых, нежно-голубых и зеленоватых цветовых оттенков, подчеркивает волнение, охватившее героев. «Давид и Ионафан» — первая картина Рембрандта, появившаяся в России, и одна из первых картин эрмитажного собрания: она была приобретена для Петра I в 1716 году.

Голландская школа

Натюрморт

Холст, масло. 105 X 87,5

Государственный Эрмитаж

Натюрморт как самостоятельный жанр сложился к концу XVI века и в XVII веке получил широкое распространение в искусстве Западной Европы, в особенности — Голландии. Бурное развитие голландского натюрморта привело к тому, что уже к середине столетия этот жанр разделился на своего рода тематические «поджанры»: изображения цветов и фруктов, рыбных лавок, битой дичи и т. д., что породило соответствующую узкую специализацию художников. В выборе предметов для натюрморта, его композиции, трактовке форм и фактур, колорите отражались как личные пристрастия самих живописцев, так и менявшиеся вкусы зрителей и идеалы времени.

Биллем Кальф, жизнь и творчество которого прошли в Амстердаме, принадлежит к числу самых крупных мастеров голландского классического натюрморта, а картина из эрмитажной коллекции является признанным шедевром живописца. Натюрморт Кальфа относится к разряду «завтраков», включавших изображения какого-либо одного блюда (как правило, паштета или сыра), фруктов, среди которых присутствовал непременный лимон со срезанной кожурой, сосудов с вином. Художник мастерски передает фактуру каждого предмета: бокала, фаянсовой расписной тарелки, позолоченного кубка, восточного ковра, белоснежной салфетки. В картине ощущается сильное воздействие, которое оказала на Кальфа живопись Рембрандта: предметы показаны на темном фоне, яркий свет как бы оживляет их, обволакивая теплом золотистых лучей. Мотивами и красочным великолепием натюрморты, подобные кальфовскому, аппелировали ко вкусам разбогатевших голландских буржуа, их тяге к роскоши.

Испанская школа

Завтрак.

Около 1617 — 1618

Холст, масло. 108,5 X 102

Государственный Эрмитаж

Высочайшие достижения испанской реалистической живописи XVII века связаны с творчеством Веласкеса. Эрмитажный «Завтрак» — одно из самых ранних его произведений. Картина была написана, по-видимому, в скором времени после того, как, закончив обучение у Франсиско Пачеко, Веласкес был принят в гильдию св. Луки, объединявшую живописцев Севильи. Прославившийся как мастер реалистического портрета, художник в молодости работал в популярном в Испании в начале XVII века жанре бодегонов. Бодегон (в дословном переводе — «трактир, харчевня») — своеобразное сочетание бытового жанра и натюрморта. В «Завтраке» еще не проявилась чисто живописная манера, в которой Веласкес работал в зрелые годы. Форма строится с помощью резких контрастов света и тени («тенебросо») — приема, распространившегося в испанской живописи под влиянием искусства Караваджо. Несмотря на то, что персонажи изображены в движении, в их позах, мимике ощущается некоторая скованность, застылость, словно они позируют для «живой картины». Очень убедительно передана фактура предметов в натюрморте. Отмечая явный оттенок литературности в изображенной Веласкесом сцене, исследователи выдвигают разные трактовки сюжета картины. Одни видят в юношах солдат, пригласивших разделить с ними трапезу старика бродягу или отставного воина. Другие считают, что на картине показаны два молодых плута, набивающих свои желудки за счет пожилого путника. Как бы там ни было, Веласкесу удалось передать в грубоватых персонажах «Завтрака» важную черту испанского национального характера — чувство собственного достоинства.

Французская школа

Капризница.

Около 1718

Холст, масло. 42 X 34

Государственный Эрмитаж

Антуан Ватто пришел во французскую живопись в эпоху, когда господство академического искусства было поколеблено мастерами, обратившимися к реалистическим традициям фламандской школы. Воссозданное на картинах Ватто неповторимое своеобразие жанровых сцен основано на вдумчивом наблюдении реальной жизни: важное значение при работе над картинами имели для художника многочисленные натурные зарисовки. Однако вряд ли можно судить по произведениям Ватто о подлинном быте, нравах, повседневности и праздниках французского общества начала XVIII века. Жизнь военных бивуаков и театральных кулис, развлечения и сердечные дела галантных кавалеров и дам предстают в его творчестве преображенными поэтической фантазией художника. Между персонажами «Капризницы» — кавалером и дамой, по-видимому, произошла размолвка. Художник с мастерством тонкого психолога показывает, сколь разные чувства и реакции порождает у героев эта ситуация. Живопись картины, говоря словами влюбленного в искусство Ватто Александра Бенуа, «искристая, нежная по оттенкам, прозрачная по колерам, ласковая и гибкая по письму». В основе поэтики художника — его предельно личностное отношение к миру, сочетающее мечтательность, иронию, нотки грусти и разочарования, сплавленные воедино светлым поэтическим чувством.

Английская школа

Портрет дамы в голубом (герцогиня де Бофор?).

1770-е годы

Холст, масло. 76Х 64

Государственный Эрмитаж

В истории английского искусства Томасу Гейнсборо принадлежит одно из самых почетных мест. Художник начинал как пейзажист и обратился к портретному жанру будучи уже сложившимся мастером. Большое влияние на Гейнсборо оказали портреты Ван Дейка, поразившие его не парадной репрезентативностью, а способностью великого фламандца передавать естественность и одухотворенность образов. Гейн-сборо-портретиста не привлекали натуры активные, характер которых раскрывается в действии, он никогда не подчеркивал социальное положение своих моделей и род их занятий. Душевному складу художника больше всего импонировали люди, способные целиком погрузиться в мир мечты, мысленно отрешиться от окружающей жизни.

Картине «Портрет дамы в голубом» присущи тонкость, естественность, поэтичность образа, характерные для лучших полотен Гейнсборо. Полотно исполнено в типичной для художника живописной технике. Фигура его модели легка и наполнена движением, хотя ее поза достаточно статична. Колорит полотна строится на гармонии бесчисленных оттенков оливково-серых, зеленоватых, розовых и серебристо-голубых красок. Мазки стремительны, динамичны, ложатся то параллельно друг другу, то перекрещиваясь, то заходя за границу формы, то не достигая ее. Такая фактура красочной поверхности, кажущаяся несколько «неряшливой», при взгляде с расстояния рождает эффект живого скользящего взгляда героини, ощущение легкого движения ее платья. Долгое время считалось, что на портрете изображена английская аристократка герцогиня де Бофор; сейчас эта идентификация модели подвергнута сомнению.